空色 - 郭恬熙個人作品展

這次的展覽，相信大家都有興趣於怎麼則「空」？如何為「色」？然而，文述應該把作品導向弦外之音的描述？抑或影指摺疊，實為了展開的朗明？其實，文示不外指出此有宇宙有，此無微塵無的「在」。空色，置空而有，外音內合，貴在妙有，奇在景相，清奇最奇。

描述「空」並不好說清楚。我們可以先把空放進括號內，當「空」成為了對象，就方便我們進行觀察、覺知。空，不意味不存在，而是來到「在」以外，然後參與（五感投向）在，是一種五感的共構覺知。其實日常中我們不會經常保持五感（視、聽、味、嗅、觸）全訊共知的思考，而會偏向局部，例如：水的物質三態中，我們習慣杯子是裝水；裝冰塊，可是我們不習慣杯子裝空氣，裝不同的空氣。這裡出現的落空和錯位，是集體傾向局部的狀態，其實恰好也是我們身上「集體認知」的反映，映照出我們習慣認知的範圍及範圍外。

空色的展覽，指出我們經常被置於圖像與真實之間，到底什麼是真實的而什麼是假像呢？對於這些圖像問題，郭恬熙覺得是有趣的，她的創作也用東西的圖像取代了真實的東西。如：作品《無山》用「山的圖像」代替山；《無道》、《無林》…等，也都等式的安置了圖像在幾何容器內，然後把照片埋在土裡－作品也許影射今日嚴重的環保議題，因為當我們認為可以把塑料埋葬在土裡或填進海裡時，我們卻不能讓它們溶解，而作品更讓我們感到諷刺的是，事實上拍立得也是由塑料製成的！在法國，藝術被稱為「塑性藝術」；l’art plastique （plastique也指塑料），指的是其可塑性。與Magritte的《Ceci n’est pas une pipe》（這不是一個煙斗）相同，景物之於人，景語皆情語，無景方投情，端觀景中境（如作品《圖》，用空的架子堆裝成圖字），也因如此，越依於形，就相較越怕無形，如：作品《塑山》、《塑花》拍的是一個塑料袋型塑的圖像，即山非山、似花非花、投景非景。

空也是一種形式。空色，郭恬熙想強調的是，一切事物，包括材料，都是無常的，並質疑諸如藝術品的物件外觀和價值，作品《無佛》、《無魚》…等，把照片放在水裏，實際上是在「破壞」它們，作品的呈現演譯了物質的無常，讓它在我們眼前「死」去，彷彿有了生命。作品也會在照片的圖象漸趨開化消無時「出售」它們，所以當我們購入這類型的作品時，收購的不僅僅是照片，而是整個過程和概念。

特別值得一提的是，郭恬熙在04年於法國畢業後，於06年去了印度與西藏，開始信佛至今。而是次展出正值郭恬熙不惑之年，展場中播放和擺放著她之前的紀錄片作品，以及過去的展覽和作品資料，作品《無字》是02年她在法國藝術學校每天都用打字機寫的，內容都是關於自我，現在重新編輯展出，也是在這樣的脈絡中延向此刻。我們可以看到，郭恬熙的作品一直是建基於概念，文字就相形變得重要，但又不止於文字，於《無字》的系列作品中，我們看到了Empty（空）、Full（滿）…的同語反覆，又看見如Attitude（態度）…的類故事去除，是文字指陳的空無。

作品《無心》這個金字塔架是特別訂製，四邊角度都是51°51'，是根據金字塔的度數做的，我們看到有很多關於這種結構裡面能接收能量的討論，塔架安置在「空色」展場中的中心位置，讓觀眾可以入內打坐，也許也是觀心的位置（內有直指心性的佛學經典《心經》）。在這個位置觀色，「色」可以是有，可以是在，《無心》在《圖》和《無色》之間，而《空色》和之前《無事》展覽亦有連繫。

總的來說，郭恬熙喜歡遊走在事物之間那模稜兩可的狀態，在語言之間、文化之間、物質之間、人與人之間…，她最愛處身在邊界與邊界之間的無間之境，空色的展出，亦建構在空與色之間，是她兩極的雙子，間性在中佛。二律背反其實是方便法門，過法門之後，可以無特定法，似於無法。就像一湖鏡水，可以風吹漣漪，能夠投力反軌，二律的鏡像，反映出方法的局部，此時，我們更可以進悟到，法門不二，法相多一，作品《無色》的錄像是一個藝術手法，它卻不該只承受本體論的提問。藝術的擴張，鏡射出法門之外的存真，這也就是我看到郭恬熙超越的能力，秉持著藝術該有的先驗和超驗，這種崇高的探究，可以是康德在康橋上揮袖。

策展人
蔡國傑